Notas sobre Haneke y El Rafita

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/bennys_video.jpg">1. Esta sociedad zafia y verbenera, tan del gusto de lo políticamente correcto y tan empeñada en salir en la foto con una sonrisa/bótox de género, multicultural, transversal y competente, esta sociedad tan focalizada en los conceptos de un capitalismo rancio aprendido del conductismo yanqui y una pedagogía barata que nunca funcionó. Esta España tan nuestra, tan gustosa y degustada a la hora de abrir fosas y darles micrófonos a los asesinos. Aquí lo que vende es el cadáver, y sobre el cadáver se van construyendo las narrativas, y sobre todo, se va metiendo la mano en el bolsillo. Lyotard no tenía ni idea cuando habló de la caída de los grandes relatos. Aquí el gran relato es ir trincando: trincar del Plan E, trincar de las subvenciones, trincar del colega en el despacho de al lado, trincar del Jaguar, de la central térmica, trincar pero dejar muy claro que somos progresistas, democráticos, solidarios (con Haití o con quién sea, pero solidarios) sin por eso perder la perspectiva de trincar. Lo nuestro es un desfase. España es un país al que le gusta enarbolar el analfabetismo por bandera (nada tan despreciado en España como un pensador y nada tan ensalzado como un calientasillas o un lamemanifiestos), de tal manera que al final uno sabe que se pone la diana en la cabeza. Haneke en España quizá no hubiera rodado una puñetera cinta, y algo así les pasa a nuestros mejores directores, que nunca serán europeos ni triunfarán en Cannes porque tendrán encima todos los problemas de España. Y España, vamos a decirlo claro, es un país que -mayoritariamente y salvo honrosas excepciones- piensa que ir al cine es esa cosa que se hace el sábado por la tarde para no tener que hablar durante dos horas con la pareja. 2. España, también en ese profundo desprecio que siente por lo audiovisual, tiene una televisión a su medida. Unas series a su medida y unos talk shows a su medida. España es un país cicatero y cobarde en el que un asesino cínico que hubiera podido salir en una peli de Haneke es mostrado en prime time como una víctima, un pobre chaval, un proletario inocente que tuvo la mala suerte de violar, torturar, atropellar y quemar viva a una deficiente mental. Espera un momento. Eso yo lo he visto hace dos semanas en el cine. Se llamaba "La cinta blanca" y era un niño con síndrome de down. Pero lo vi antes, también, se llamaba "Benny´s video" y se llamaba "Funny Games". Zapeo. El Rafita, según cierta cadena y cierta perio-lista que hubiera valido para guionista de las peores producciones de la época estalinista, está arrepentido y tiene miedo de salir de casa. La televisión, ya digo, vomita esa crónica inquietante de la barriada, de la pared mal encalada, del chico con problemas. La sociedad, amigos, es la culpable. Es como cuando Martín Patino hizo "Queridísimos verdugos" y todos nos sentimos henchidos de orgullo y libertad, rollito denuncia y lavado de cara al exterior. Pero España es España y algún malnacido pensará que es una gran idea hacer una entrevista en exclusiva a ese chico que, ya digo, violó, torturó, atropelló y quemó viva a una deficiente mental. No hay que olvidar ciertos detalles. Pero ahora viene lo bueno. Cita del último de libro de Hernández Les, en su capítulo sobre "Benny´s video": "Los espectadores hemos sido invitados. Ahora, de algún modo, sabemos que hemos matado a la chica también. Toda la teoría del espectador implícito de Bürch derrumbándose de súbito porque era falsa, pero había tenido que venir este filósofo cineasta a desmontársela (...) Benny es un niño nazi sin símbolos, sin esvásticas. Ha metabolizado el Soberano Mal y con sus actos está atacando por extensión al espectador (...) como si mirar no llevara emparejada una forma de complicidad y compulsión, como si el mirar fuera un acto inocente". 3. Así que millones de ojos sedientos de sangre y melodrama podrán ver la redención del pequeño asesino en directo. La parte que Haneke nunca muestra - ¡porque no existe!-, la que deja al otro lado de la ficción, es precisamente la que están mostrando los telediarios. Es como cuando se ruedan esa especie de publirreportajes que dan en La 2 para hablar de cómo los menores que cumplen condenas en los centros se integran haciendo teatro o diseñando carteles o haciendo gimnasia. El verdadero crímen de la hiperrealidad es precisamente trocar al asesino por la víctima, hacer un juego de magia y convertir a un canalla en un buen chico, en un corderito arrepentido. Rafita, colega, cómo te lo montas: te quedas con la peña de la prensa y además eres educado, compasivo, buena gente. Es una pena que Haneke ya rodara tu película unos años antes de que te lo pasaras bomba con la banda del chupete dando rulos por el barrio, haciéndote móviles y haciéndote pelucos y haciéndote esa sombra de bastardo criminal que tanto maquilla la tele. Al final, a uno le duele tanto España porque España no se ha leído en la vida a Jaspers, ni le importa la cuestión de la culpa, ni pensará nunca que España misma pudiera ser culpable de nada.

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1 Notas sobre Haneke y El Rafita

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/nine_movie.jpg"> Estimados Responsables de "Nine": Digo estimados pero debería haber escogido palabras como Estúpidos, Impresentables, Imperdonables, Analfabetos, Terroristas Culturales, Cacasenos, Decepcionantes, Desmemoriados, Peligrosos, Inconscientes o Fariseos. Vosotros, gente que hace películas que son el equivalente fílmico a meter la cabeza en un cubo de basura, que hacéis que el tristemente famoso travelling de "Kapo" sea una perfecta opción moral, que contamináis uno de los oficios más hermosos del mundo escupiendo vuestra inmundicia en incontables salas restando importancia, valor y posibilidades a pequeñas producciones infinitamente más valientes. Todos vosotros: No tenéis derecho. Al final uno acaba por perder la cabeza y decide hacer la crítica rabiosa, crítica como de francotiradores esquizofrénicos disparando a presidentes de un cine-vómito que dará mucho que vender, cine del petardeo para ver a rubias jamonas y a niños modelitos de Martini, cine que hiere de puro malo, de pura hez, de pura letrina de campamento en plena resaca general. Así, por ejemplo, en una de las escenas de la película, la rubia jamona de turno canta: Each time I see Guido´s neo-realism/I love the dark handsome guys with their skinny little ties Y entonces empieza a ver cómo oscuras nubes de pensamiento cero, de puro insulto cinematográfico comienzan a conjurar la sala. El público, por supuesto, está encantado porque la jamona está jamona y los niños-martini bailan como Dios. Pero espera un momento. ¿Neo-realism? ¿Coreografías entre los nazis y los partisanos? ¿Handsome guys siendo torturados en la escena más famosa de "Roma, Ciudad abierta", o quizá Handsome guys lanzándose desde los edificios en "Germania, Anno Zero"... o quizá se refiera a los Handsome guys que arruinaban a la propia Giuletta Masina en "Las noches de Cabiria"? Espera un momento, quizá el profundo imbécil que ha escrito el libreto original se refiera a "La dolce vita"... pero, ¿acaso no recuerda la escena en la que el hombre feliz dispara en la cabeza a sus hijos y a toda su familia? No pasa nada. 2009, y la jamona postmoderna enseña pata y canta: Each time I see Guido´s neo-realism/I love the dark handsome guys with their skinny little ties No tienen derecho. ¿Por qué "Ocho y medio"? ¿En nombre de qué extraña deidad han cometido semejante blasfemia? Bueno, ya puestos se me ocurren las siguientes ideas, que comparto vía creative commons y que, sin duda, les encantarán: FUNNY GAMES - FUNNY SONGS La historia trata de dos bailarines vestidos de blanco que secuestran a una familia y les representan una y otra vez, en bucle, los mejores momentos de "Quisiera ser", el musical del Dúo Dinámico. Obviamente, semejante tortura se hace insoportable para el público. La mejor secuencia es un número en plano fijo en el que, tras apalear a la madre con sendos palos de golf, los chicos cantan "Resistiré". IRREVERSIBLE - El musical Es un musical en el que las canciones son cantadas al revés y toda la música tiene una frecuencia que provoca náuseas. Justo en mitad de la cinta hay una escena divertidísima -también en plano fijo- de doce minutos entre un fornido muchachote y una chica de buen ver. El muchachote, mientras hace disfrutar a toda la familia con sus alegres bailes, canta "Marta tiene un marcapasos" de los Hombres G. EL ANTICRISTO HOY NO SE PUEDE LEVANTAR Una pareja -compuesta por un budista de medio pelo y una cyberrobot hypermusculada- pierden a un niño de tres años -compositor de Óperas, o algo así- y deciden irse a una cabaña en el bosque a arreglar sus traumas. La cosa no funciona muy bien porque empiezan a aparecer los tres mendigos - Penélope Cruz, Javier Bardem y Luis Tosar - que anuncian una catástrofe cósmica en la que reina el caos y se hace imposible un buen descanso dominical. Al final, la cyberrobot se automutila sacando discos en solitario que no compra nadie. SONATA DE ABBA EN OTOÑO La muerte (Matt Damon) y un caballero (Enrique Bunbury) que llega de las cruzadas juegan al ajedrez. En paralelo, una compañía de viajeros compuesta por Pereza y Paulina Rubio recorre una Suecia infectada por la Gripe A. Todos pierden sus gafas Ray-Ban y se desata un tremendo conflicto existencial. Terminan todos cantando "Chiquitita" cogidos de la mano en un precioso contraluz final. Estimados Responsables de "Nine": Son ustedes tan postmodernos, tan me-importa-un-huevo, tan inconscientes y tan poco espabilados que sólo espero que la taquilla pague con la displicencia necesaria semejante catástrofe. Después de todo, ese es el único lenguaje que entienden: el del dinero perdido.

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1 Crítica: "Nine"

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/capitalism_a_love_story.jpg"> Si hay algo en lo que la mayoría de los críticos coincide -y ya es decir- es que lo peor del cine de Michael Moore es, simple y llanamente, Michael Moore. Lo suyo ha sido un autorismo sin autor, la creación de un sub-modo de representación fácilmente exportable y disfrutable consistente en varias maniobras de éxito como la revolución para toda la familia (algo así como un softcore político) y un cierto pulso en la generación de relatos cómodamente incorrectos. Moore se permite hacer de poli malo en esa gran sala de interrogatorios que es el Capitalismo contemporáneo, pero todos sabemos que a la salida se irá de cañas con los hermanos Weinstein. Otra cosa -y aquí debemos andar con más tiento- es deducir de lo anterior que Moore es un mal cineasta. O que sus cintas deben ser arrojadas a ese pozo ideológico en el que suelen acabar los manifiestos, las arengas , los panfletos. A mi siempre me han gustado los buenos panfletarios, no sé, pienso en Godard cuando iba de maoísta por la vida - "Pravda" es una obra maestra del panfleto- o en John Ford cuando se ponía a explicar la democracia en "El hombre que mató a Liberty Valance". Otro caso, por ejemplo, es el de Al Gore o lo de Fernando León de Aranoa (advierta el lector asiduo que he decidido retirarles la negrita a ambos). Una cosa es hacer panfletos y otra cosa es hacer malas películas, no confundamos la velocidad del pensamiento con el tocino de la demagogia políticamente correcta. Moore se intenta tomar en serio pero no le sale, sino que le sale una comedia con buenas intenciones, un par de puntos lacrimógenos, una épica de la chapuza norteamericana y un mural de la teoría de la conspiración. Esto es, un cruce entre "La fiera de mi niña" y esa adaptación de "El Capital" que Einsestein no llegó a rodar jamás. "Capitalismo - Una historia de amor" funciona como un canto épico a lo Ken Loach, pero pasando por una turmix de sabor Disneylandia. El director ha puesto en versión 2.0 o 360 a los obreros que desfilaban en "Pan y rosas". Se pasea por el filo de la tragedia norteamericana con ese puntillo de showman socarrón que lo mismo entrevista a un cura, utiliza un demoledor found-footage, pone a un niño redneck a llorar por su madre muerta o se autocita con una complaciencia opípara. Todo es desmesurado y ampuloso en esta crítica del capitalismo, todo es enorme y satura y al final aquello es una eclosión de goce completo, un inmenso plato de nachos con queso con el puño izquierdo levantado. Uno sale hinchado/henchido de tanta desigualdad y tanta lucha organizada, de igual manera que uno salía hinchado/henchido de épica y valor en los westerns de Monument Valley. O sea, como Avatar pero cambiando a los perroflautas 3D por obreros de una fábrica de puertas y ventanas. Comprendo que al espectador medio, a estas alturas, le pueda la pereza con la obra de Michael Moore. Y lo comprendo porque Moore, al contrario que todos los autores - Lang, Hitchcock, el propio Godard - ha depreciado y desvalorizado su cine para siempre. Un mal Godard se salva diciendo: "Bueno, después de todo, es un Godard...", mientras que un buen Moore siempre se hundirá diciendo: "Bueno, no te lo tomes en serio, que es un Moore..." No seré yo el que, a estas alturas del partido, se ponga a hacer de abogado del diablo. Baste con decir que no me sentí estafado a la salida del cine, y a estas alturas, decir esto es casi soltar un piropo.

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1 Crítica: "Capitalismo - Una historia de amor"

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/el_consul_de_sodoma.jpg"> Hoy -que irá de confesiones la cosa- debo empezar diciendo que algunas críticas las intento posponer hasta el infinito. Salgo del cine con un par de ideas precisas y después, ante el miedo de que me traicione el inconsciente o de cabrear/no cabrear al colectivo de turno, acabo por dejarlas en la sección "Borradores" o, a lo peor, a ni siquiera intentar darles forma. Con "El cónsul de Sodoma" me temía yo que iba a hacer algo parecido, una de esas críticas perezosas y como de cubrir el cupo que le salen a uno de vez en cuando. Pero he decidido - debe ser cosa de que ya comienza el deshielo de Enero - que si uno se decide a saltar a la arena, tiene que hacerlo con todas las consecuencias. Y esta película, vamos a empezar por aquí, hace que asumir ciertos riesgos merezca la pena. Con lo que, a riesgo de granjearme ciertos malestares y ciertas sornas, vamos con la segunda confesión de la noche. Durante aquella adolescencia ya diagnosticada en incontables posts de por aquí y allá, leí muchísima poesía. Hablo de los años antes de entrar en la Universidad, en los que cambié los poemas lúbricos por los poemas... digamos, militantes, y así se me llenaron los versos de fronteras, banderas, compañeras revolucionarias y otros lugares comúnes de la cosa. Siempre he sido un pésimo poeta -como bien me recuerda mi cómplice Mr. X cada vez que tiene la ocasión-, pero de aquellos años guardo una especie de deslumbramiento de niño pobre de colegio de curas por toda la poesía española del XX. En las horas interminables de la Física incomprensible yo deslizaba por debajo del pupitre los poemarios que iba sacando de la biblioteca y así iba haciendo más habitable todo aquel caos de finales de los noventa. De aquellos años, ya digo, hubo tres poemas que me sacudieron con total brutalidad. Vamos a decirlo claro: que me cambiaron la vida. Uno de ellos es inconfesable incluso para este post con confesiones, vaya por delante que era de Neruda y que se me cae la cara de vergüenza al recordarlo. Los otros dos eran "Mujer con alcuza" de Dámaso Alonso y "Contra Jaime Gil de Biedma" de Jaime Gil de Biedma. Así, cuando volvía a casa con todo el cansancio de los quince años, perdido de Martini y mujeres que se habían marchado con otros a otras esquinas a inspeccionarse los miedos y las costuras de la ropa interior, daba bandazos bajo los neones de la castiza Calle de Alcalá y musitaba entre dientes aquello: "A duras penas te llevaré a la cama / como quien va al infierno / para dormir contigo". Ayer mismo, en sesión de domingo por la tarde, acudo a ver "El cónsul de Sodoma" pese a que en el cartel aparece Bimba Bosé y pese a que una gran parte de la crítica ha corrido a meterla en ese extraño cajón que lleva las etiquetas "Cine homosexual", algo así como un pequeño guetto donde se encuentra también otra de mis películas favoritas (tercera confesión): "Velvet Goldmine", de Todd Haynes. Lo del "Cine homosexual" supongo que será una etiqueta que dará estupendos beneficios en taquilla pero que a mí, que sigo siendo heterosexual y algo reaccionario, no me quita lo bailado ni me impide darle la razón al que hace buen cine. He visto "El cónsul de Sodoma" buscando la poesía de Jaime Gil de Biedma, sin hacer bandera ni orgullo de nada, simplemente deslizándome en el interior del texto con una sensación entre la sorpresa y la fascinación. ¡Es tan raro encontrar películas que piensen que su espectador va a ser inteligente! ¡Es tan complicado que no te tomen por imbécil ni te den la papilla recalentada de la narrativa aristotélica! Y de ahí que uno tenga que escribir estas líneas, confesar que (sin entender) sabe de ese saber del que tanto -y tan bien- ha hablado el tándem Monelón/Mollá. El público de mi sesión en los cine de una zona bien se cabrea y se sale en mitad de la película o tose y carraspea cada vez que la enunciación se aventura demasiado en lo que su cuota de paciencia y tolerancia está dispuesta a tolerar. La peli funciona, pero no porque escandalice a los burgueses -yo mismo soy burgués y después de ver Anticristo ya no me escandalizo por casi nada- sino porque hace convivir de una manera increíblemente natural la propia burguesía de Gil de Biedma con su particular descenso a los infiernos. Monelón pasa de contar otra vez la historia del comunismo sumergido en la dictadura y se va al centro de la cuestión, a ese abrazo inmenso entre el burgués del despacho de la tabacalera barcelonesa y el enfermo de SIDA. Esa escena es más subversiva que toda la poesía política que me leí en los años de la Universidad. Al final, lo que había que decir era simple y claramente que "El cónsul de Sodoma" es una película emocionante. Conmueve incluso en sus torpezas más manifiestas y al final, qué remedio, uno acaba casi hasta por perdonarle todas esas escenitas (la orgía con los marineros, los excesivos primeros planos que son tan obvios como poco inspirados) que parecen sacados de una imaginería cuarto-oscuro más ochentera que otra cosa. Cuando Monelón se intenta poner manifiestamente provocador le sale el rollo anuncio de Jean Paul Gaultier y nos saca momentáneamente de la cinta para vendernos el perfume de lo políticamente correcto (=oh, yo espectador burgués pero lo suficientemente liberal como para ver una cinta homosexual sin escandalizarme). Y eso no merece la pena. El juego está en otro lado, y rápidamente nos arrastra hacia ese otro cine inquietante y explosivo, un cine como una estrella que lo cambiara todo. La escena en la que se retrata el poema "Himno a la juventud", con la niña bailando en la orilla de esa playa invernal y definitiva, me pareció una de las más conmovedoras sinergias de poesía y cine. Al final, el diálogo entre la poesía de Gil de Biedma y el cine se engarza con una precisión exquisita. Termina, como las grandes películas, con un portentoso primer plano en el que se rompe cualquier posible desconfianza entre el espectador y el poeta. Desaparece todo: desaparece la habitación, la luz de putiferio infecto, el chulo que improvisa un baile ya conocido a ritmo de los Pet Shop Boys. Desaparece el olor a derrota y queda una lágrima. Y uno piensa: ¿Acaso no era esto precisamente lo que uno leyó en aquellos poemas cuando los entendía, con los quince años, el acné y la necesidad de sobrevivir a toda costa? ¿Acaso no era esto lo que uno entendió al leer por primera vez a Gil de Biedma?

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1 Crítica: "El cónsul de Sodoma"

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/la_cinta_blanca-300x424.jpg"> Walter Benjamin, acodado en las barandillas de un tren de la bruja europeo y desconocido, se inventó a los "anunciadores del fuego". Para él, a lo largo de la historia habrían surgido una serie de figuras que, leían "en la lógica de los tiempos que corrían la catástrofe que se avecinaba" (Reyes Mate). Así, por ejemplo, el insecto de Kafka. Así, casi sin saberlo también, el propio Benjamin tuvo que inventarse ese Ángel de la Historia -figura que, debo confesar, me obsesiona- cuando estaba claro que habíamos descarrilado del todo. Así, por lo tanto, retornamos a la vieja Casandra pregonando en mitad de las plazas vacías. Ahora llega Haneke, y una engañosísima campaña de publicidad predica a bombo y platillo que nos encontramos ante una "reflexión sobre los orígenes del nazismo". Pero ahí está el problema. Nuestro problema -vamos a confesarlo de una vez- es que el binomio historia/cine de 2009 lo escribieron dos hombres (Amenábar y Tarantino) que nada saben del sufrimiento. Al márgen de la famosa escena de apertura de "Malditos bastardos" o de si usted quiere/no quiere ver a una Hipatia sin valor para salir del armario (por cierto, ¿para cuándo la película sobre Santa Catalina? ¿Alguien tendría el valor de rodarla?), Amenábar y Tarantino se han pasado la dimensión trágica de la historia por la cruceta del pantalón, y así ha pasado. Uno piensa que, a lo mejor, la Historia no se la están cargando tanto los nuevos planes de educación -que también- sino toda esa panda de libre-no-pensadores, postmo-iluminados y caraduras entre los que podríamos incluír, ya puestos, a Dan Brown, a Ken Follet y a toda esa cansina nómina de reinventores de una Historia de consumo rápido. Historia Fast Food y baja en aristas, no vaya a ser que se nos clave algo. A lo que iba. Que Haneke no ha rodado una "reflexión sobre los orígenes del nazismo" sino una bomba de relojería total que debe ser seguida al pie de la letra. El problema de domesticar "La cinta blanca" es precisamente que si la estudiamos en términos de juego histórico o de ensayo sobre el pasado acabaremos por desactivarla. La convertiremos en una cabeza de animal muerto para decorar el salón de la cinefilia, y así las visitas podrán sentarse bajo ella a tomar el té. Antes, en el inicio, "La cinta blanca" es una cinta tan salvaje y violenta que convierte las matanzas de Tarantino en lo que son: fuegos artificiales para cegar a los niños de la postmo. Porque la violencia, al final, es otra cosa. La violencia es lo que se nos viene encima, lo que está enquistado en los pilares que construyen nuestra sociedad, lo que está enquistado en nuestros mecanismos políticos y económicos, en nuestras ideologías. Haneke sabe que el nazismo en Europa ya está -salvo cuatro nostálgicos/psicóticos que pasean palmito e intentan robar una portada allí o allá- conservado en formol y expuesto a las visitas del Museo de los Horrores. El problema está en otro lado, en la facilidad con la que hemos colocado etiquetas a episodios de horror aislado. "Restos del nazismo" o "lucha de clases": valga comparar al hijo del campesino que arranca las coles del Barón con un heroísmo de tres al cuarto con la impresionante escena en la que el hijo pequeño del doctor abre una puerta freudiana y prohibida. "La cinta blanca" es una inmensa ciénaga tras una cortina de humo en la que hay que sumergirse a toda costa, en la que hay que bucear desesperadamente para llegar a la verdad encerrada. Porque, y ojo con esto, "La cinta blanca" es una de las películas más verdaderas que han llegado a nuestras pantallas. Hace poco, discutiendo de cuestiones políticas y psicoanalíticas con una buena amiga, me espetó a bocajarro: "A vosotros los que os pasa es que os pegaban en el colegio, o no teníais amigos, y todavía no habéis superado el trauma y seguís pensando que todo es una mierda y os empeñáis en hundir a todo el personal, que vive tan tranquilo y feliz viendo Gran Hermano". Pues bien, "La cinta blanca" podría ser una excelente respuesta para entender cuáles seran los frutos a corto/medio plazo de esa sociedad tan "tranquila y feliz". Dentro de no mucho, si seguimos mirando con los ojos bien atentos hacia dónde se desliza la crisis del sujeto y dónde se colocan los nuevos mandamientos bienpensantes de la Ley en Europa, tendremos ocasión de comprobar cómo el ángel de Benjamin vuelve a aullar con todas sus fuerzas. Nada hay en Haneke que no esté ya mismo en esa generación de pobres imberbes que han combatido sus angustias adolescentes Danbrowneando y creen que -Ay Dios, de nuevo- les salvará la cara efímera del Capital.

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1 Crítica: "La cinta blanca"

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/delorean.jpg"> Corría aquel verano de principios de siglo y uno andaba todavía consultando aquella brújula medio rota que nos deja la tardoadolescencia. A la hora de la siesta los señores bajaban en bermudas poco éticos a ver el Tour y yo me acercaba al rompeolas para leer "Los ángeles custodios" de Francisco Umbral. Aquel libro -hoy casi olvidado- me regalaba una colección de crónicas nocturnas y etílicas, de relatos de un mundo frívolo y fascinante que ya se había extinguido, como un Visconti de transición, peppermint y conciertos en la Joy Eslava. Cómo explicar aquellas noches escritas, aquellas noches soñadas llenas de mujeres exquisitas en un Madrid literario, un Madrid que sólo existía en el corazón de aquella prosa que te amarraba a la vida en cada página. Unos años después, en un concierto de "Delorean" en Joy Eslava recuperé de un plumazo toda aquella alegría, aquel sueño tan inconfesable de ser un periodista maldito en el lugar adecuado, de no dejar de escribir jamás la crónica de esa ciudad nocturna que se dibujaba en los acontecimientos únicos. No voy a hacer la crítica entendida del concierto - sus aciertos, sus referencias, el repaso por el setlist - porque de eso ya se encargarán muchos otros. A mi lo que me interesa es otra cosa, la complicidad, la grandeza, la honestidad de un sonido. Lo supe prácticamente desde los primeros samples del portentoso "Seasun": aquello que se nos venía encima era una tormenta de ruido y buen hacer, una apasionante aventura en un sonido que había descendido de un futuro pluscuamperfecto y que sólo podía expresarse en esa complicidad antológica que nos atravesó a todos. El futuro, ya digo, es un concepto un tanto resbaladizo en lo que a la música se refiere. Me encanta aquella frase que escuché en nosequé programa de Radio 3: "Si alguien me dice que la buena música terminó en los setenta le obligo a que se baje de mi coche". Algo así podría asegurar cualquiera de los asistentes al concierto del viernes pasado en la Joy, como si en ese ritmo frenético y purísimo que los Delorean iban marcando con decisión y buen hacer se estuvieran peleando las bases de la música del futuro. Uno, que ha llegado tarde al indie como a casi todo - por poner un ejemplo, el año que leí "Los ángeles custodios" escuchaba el "Dummy" de Portishead y aquello me parecía como de otra galaxia - no deja de sentirse extrañamente feliz allí, en ese espacio lúdico donde lo que realmente cuenta es ser lo suficientemente valiente como para descender hacia el corazón de las canciones a toda velocidad, acelerando, conquistándolas. Yo creo que la que Delorean montó en la Joy tenía mucho más que ver con los recitales de Ginsberg o con los poemas de los pocos cyberpunk que no fueron fagocitados por las modas, algo así como una belleza que se estableciera en el límite mismo del apocalipsis y que fuera lo suficientemente contundente como para no tener que darle cuentas a nadie. Uno intuye que los propios Delorean generan sus sonidos alienígenas con la suficiente voluntad y seguridad como para sentirse orgullosos y llenos de ese sano espíritu que hoy, los indie-huérfanos de la postmodernidad, necesitamos más que nunca. No fue frívolo. No fue banal. No fue gratuito. Fue una hermosísima mirada de ese ángel custodio del siglo XXII, ese ángel benjaminiano que además de aullar de cara a la historia, nos permitió darnos una tregua. Gracias, por lo tanto.

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1 Delorean - Joy Eslava

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/goya2010.jpg"> Llegan los Goya del 2010 y me pillan, literalmente, en pijama y con cara de sueño en un sábado entre siberiano y postnuclear. Y así no se puede. Ver al antiguo niño díscolo De la Iglesia vestido de empresario ofrece algo así como una cierta tristeza distante, una nostalgia de las tardes de viernes de la adolescencia en las que uno iba por la vida con la camiseta de "El día de la bestia" y escuchando a Def con Dos. Lo mejor de De la Iglesia, lo más auténtico, sigue siendo su propio cine. Y eso es algo que, lamentablemente, no se puede decir de todo el mundo. Pero a lo que yo iba, que es, después de todo, lo que nos une a usted y a mi en este precario espacio virtual, en este pequeño almacén del verbo cinematográfico. No sé si ya lo han notado, pero ando dando rodeos como el mal torero que anda pensando más en la exmujer que en su trabajo y, por el camino, cabrea a unos tendidos que ya suficiente tienen con los nacionalistas catalanes como para pagar más platos sucios de la cuenta. Llega De la Iglesia y nos ofrece una lista de nombres que es como una especie de sopa fría, gélida, de mala digestión. Este año -siberiano y postnuclear, queda dicho- los señores de la Academia han votado con guantes y con una bufanda tejida amorosamente por sus abuelas. Tal que así: - Académico, hijo, arrópate no vayas a coger un mal aire. Y vuelve temprano a casa, sin pasar por el parque, que ahí no hay más que mala gente. Y así nos ha pasado, que la Academia no ha pasado por el parque donde estaban de botellón los niños terribles y ha votado con forma de glaciar. De ahí, y me lanzo a por el toro, que tengamos que soportar ausencias incomprensibles como el Guillermo Toledo de "After", como las ausencias de Eduard Fernández de "Tres días con la familia", como casi todo "Tetro", como el habitual desprecio de esos señores tan serios por el cine español de vanguardia. Nunca nieva a gusto de todos, pero estos votos como témpanos implican el triunfo implícito de una cinta tan brutal y desgarradoramente mala como "El baile de la Victoria", que para colmo, nos representa -¿por qué? ¿qué oscuros manejos se cuecen en los despachos del poder cinematográfico?- en ese otro gran ceremonial-fastfood de los Oscar. Significa, también, que le hacemos una estatua a Amenábar sistemáticamente, ruede lo que ruede, aunque lo haga desde el más profundo desprecio por temas tan banales y poco importantes como la Historia, el Cine, o su pensamiento sobre España. Una gran estatua alejandrina para que decore el salón de las visitas internacionales y así, cuando salgamos los chicos de los congresos a lucir palmito fuera de nuestras fronteras nos digan, otra vez: "Oh, Almodóvar... Amenábar... spanish cinema!". Y uno quiere dar un puñetazo en la mesa internacional y decir: "Mire usted, ni a mi ni a mi gente -que no tiene por qué ser la suya, amigo lector, amiga lectriz- nos representa un tipo tan rancio como el último Fernando Trueba, sino que hay gente como Mar Coll -afortunadamente nominada-, como Daniel Sánchez Arévalo, como Alberto Rodríguez, como Isaki Lacuesta o como Javier Fesser". Sin embargo, hay también dos datos muy positivos de todo este retro-show que nos ha montado la Academia. El primero de ellos ha sido el reconocimiento general de esa pequeña gran joya que es "Celda 211" y que, con un poco de suerte, se comerá a los niños mimados y frioleros con patatas. Otros van a hacer más hincapié en este dato, así que dejo rápida constancia de mi agradecimiento y un gesto de asentimiento cómplice. El segundo de ellos, mucho más impactante y valiente, ha sido la nominación de la magnífica Nausicaa Bonnín. La manera en la que trenza a la protagonista de "Tres días con la familia" es, con diferencia, una de las interpretaciones más elaboradas, conmovedoras e hipnóticas que uno ha visto en mucho tiempo en la pantalla. La extraña vinculación que me une con aquella precisa y exquisita Léa que dibujó en el interior de la peli de Coll es, con todo mi respeto, digna de la mejor Liv Ullmann. Gracias, entonces, a los señores de la Academia por haber apostado por ese pequeño reducto de valor, esperanza, mujer -en el mejor sentido de la palabra- y futuro. Las curvas intelectuales de ese tándem Bonnín/Coll son, voy a decirlo, de lo mejor que me ha pasado en el 2009. Hace poco volví a ver la peli abrazado a Santa Juana de los Mataderos en otra casa siberiana junto al mar y, al terminar, no pude evitar levantarme y ponerme a gritar: "Joder, si es que tenemos a la mejor sucesora de Bergman en España y no lo sabemos. ¡No lo sabemos!". Así que, entre pitos, flautas y cubitos de hielo, se nos han vuelto a colar/nos la han vuelto a colar en los Goya de 2010. Habrá que limpiar la moqueta roja para que luzca un poco el pelo de tanto Académico con traje y bufanda de la abuela. Yo, por mi parte, me voy a montar un pase casero de "El día de la bestia" debajo de esta cómoda manta donde no llegan, ay, los arañazos y las trifulcas de ese extraño mundo exterior. (PS: Me consta que desde el principio del invierno una serie de hombres y mujeres valientes, probablemente algunos Académicos, vienen armando gresca y disparando a matar contra la nueva novísima Orden del cine y el feudalismo capitalista que traerá debajo del brazo. Me pregunto si tendrán valor de llevar el debate hasta sus últimas consecuencias y aprovechar esta "Fiesta del Cine Español" para proponer alguna acción concreta. Me pregunto si aprovecharán y reivindicarán... ¿quizá con pegatinas de "No a la Órden"?)

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1 Sobre las nominaciones de los Goya 2010

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/Zombie.jpg"> Ser un buen director postmoderno es tan complicado como hacer patinaje sobre hielo profesional con una cuchilla de afeitar entre los dientes. Incluso los mejores - pienso rápidamente en Danny Boyle, Quentin Tarantino y Sam Mendes, aunque podríamos inventarnos algunos nombres extra-acaban dándose el batacazo de las buenas/malas intenciones y entonces abandonan la pista entre la incredulidad de un publico que no sabe qué hacer con sus sentimientos mientras los becarios limpian las manchas de sangre. Iban siempre me recuerda el plano de "Pronom:Carmen" de Godard en el que una mujer limpia la sangre en mitad de un atraco al banco, y algo de razón lleva. En "Bienvenidos a Zombieland" toda la galaxia es una inmensa balsa de sangre que debe ser limpiada. La mezcla de vísceras, materia fecal y trozos de culturas en el límite de su extinción (la comedia familiar, Mozart, el Bill Murray de los 80, un cierto rock sobre cuyo cadáver ya se pronunció "The wrestler"...) saturan la pantalla y se travisten en espectáculo teen, en una espiral de autodestrucción donde nos encontramos, con cierto talento, lo que ya sabemos: que nuestro universo no importa una mierda, que nos acercamos con toda alegría a la frontera de ese apocalípsis ideal y soñado donde los edificios y las leyes revientan en una belleza suicida ya postulada por Breton. No hace falta ir muy lejos: antes de la proyección de "Bienvenidos a Zombieland" pasan los trailers de "Legión" y "El libro de Eli", donde por enésima vez se nos anuncia que el circo se nos cierra, que es mejor dedicarse a otra cosa, que estamos metiendo la pata hasta el fondo. En el último artículo del blog de <A id=link_0 title=http://latecnicaludovico.blogspot.com/2010/01/balance-2009-politica.html href="http://latecnicaludovico.blogspot.com/2010/01/balance-2009-politica.html">Enrique Pérez Romero </A>-con el que suelo estar de acuerdo en cuestiones cinematográficas y un poco menos en cuestiones políticas- dice una cosa que me gusta bastante y en la que creo que está el meollo de la cuestión: "El principio tanto tienes, tanto vales se ha llevado a la exasperación, y mientras acumulamos productos y servicios, nos olvidamos de lo importante. Esta crisis, por más que se empeñen, sólo se resolverá del todo cuando el capitalismo que conocemos se convierta en otra cosa". Yo creo que Kike, por mucho que se empeñe, sigue siendo un optimista irremediable. Ese "otra cosa" del capitalismo no será, a mi entender, sino ese inmenso planeta de zombies cachondos y feroces que quedan retratados en esta cinta, una cinta que no deja de ser -como todas las grandes películas de zombies que nunca entienden los niñospostmo ni los emos- elaboradas reflexiones políticas. Uno -que también intenta ser político, aunque desde otra trinchera y con otros objetivos- recuerda al ver esta cinta aquella incisiva cita de Lacan: [los científicos] comienzan a tener una pequeña idea de que podrían crearse bacterias terriblemente resistentes a todo, y que a partir de ese momento ya no se las podría detener y que tal vez limpiaran de la superficie de la tierra todas esas porquerías, en particular las humanas, que la habitan […] Sería un alivio sublime si de golpe estuviéramos frente ese es verdaderamente el signo de la superioridad de un ser sobre todos los demás, no solamente su propia destrucción, ¡sino la destrucción de todo el mundo viviente! Sería verdaderamente el signo de que el hombre es capaz de algo. Y digo que Lacan me gusta, pero no se me escapa que Lacan me gusta en tanto es un arcángel del apocalípsis, como también lo son el propio Ruben Fleischer, el primer David Fincher o el peor Sam Mendes. Y uno llega a intuir que la postmodernidad tiene astillas demasiado afiladas como para mantenerse siempre en esta celebración perpetua de la extinción y de este goce saturado. Porque gozar, lo que se dice gozar, es algo inesquivable para el espectador de "Bienvenidos a Zombieland". Gozamos, emitimos grandes carcajadas y celebramos de nuevo el triunfo cínico de la no-razón y del fracaso del proyecto de la modernidad. Pero, uno intuye, son carcajadas que esconden un fondo de desesperación y de pánico, algo así como un salvoconducto frente a esa nada brutal que nos va invadiendo. Fíjense, por ejemplo, en la muy deseable Emma Stone convertida en esa diosa de cuero, como recién escapada de la publicidad, su soltura manejando el rifle destructor, su absoluta preeminencia del registro imaginario en cada uno de sus gestos, sus mohines, sus miradas. Luego llega lo real convertido en ese zombie en estado de putrefacción que desea -como la mirada anhelante del público- ver cómo son sus entrañas, saborear lo real de su fisicidad, masticar muriéndonos de goce en ese universo sin leyes ni horizontes. Ay, qué debe decir uno frente a "Bienvenidos a Zombieland", qué comentario debe esgrimir para parecer moderno, inteligente, sagaz y postmoderno como, yo que sé, Jordi Costa. Pero uno, quizá, prefiere a veces ser como ese perro que cerraba un capítulo de la muy postmoderna "Los simpsons" y se limitaba a mirar con gesto de desconfianza de un lado para otro. Algo huele a podrido en ese universo pre-Zombieland en el que estamos.

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1 Crítica: "Bienvenidos a Zombieland"

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/sinema.jpg"> Creo que el año 2009 ha sido, en lo personal y en lo profesional, uno de los mejores años de esta década inaugural del XXI. Aunque sólo sea por hilar un poco esos apuntes cinéfilos que uno ha ido bocetando durante todo el año, me gustaría cultivar (al menos, hoy) esa sana "nostalgia de cine" que navega entre la Nostalghia tarkovskiana y la nostalgia quebrada de Pasolini. En el 2009 no todo ha sido cine, sino que han ocurrido pequeños milagros prácticamente todos los meses. Encontrarse con Iban en Bilbao y acabar descubriendo otra ciudad etílica y literaria, vender el primer libro a la primera editorial (¿saldrá para el 2010? ¡Crucemos los dedos!), leer la Tesis, recibir a Marc y a su hermosísima cómplice para intercambiar dones/presentes, ver a Depeche Mode y a Leonard Cohen en directo, reirme de las bufonadas de Alex y de Mr. X en una sesión canalla de los Golem ("Esa es la cola del descuento para gafapastas con sombrero, ¿no?"), desembocar en Estambul y descubrir una ciudad/rompecabezas hipnótica y perfecta, escuchar fados en una Lisboa de taberneo a-la-Wenders, seguir peleando al lado de los maestros de Trama & Fondo, realizar el I Seminario de Análisis Fílmico, escribir en Versión Original y descubrir a una legión de críticos insomnes y valientes con los que siempre/nunca estoy de acuerdo, llegar a la Isola del Cinema con Santa Juana de los Mataderos y realizar el viaje europeo y cinematográfico que tanto habíamos soñado. No me gusta hablar de cuestiones tan personales en un blog en el que intento, dentro de lo que cabe, mantener un afilado y fallido equilibrio entre reflexión profesional, crítica improvisada y alguna confesión literaria improvisada. Pero al final a uno se le acaba por ver el cartón y decide, qué demonios, dar las gracias a todos los amigos, a los propios y a los extraños, a los compañeros de la UEM que han ido sufriendo nuestros pedantismos, a los alumnos que han compartido las clases buenas y las mejores. Balance del año, por lo tanto: Sobresaliente Cum Laude y olé. Como propinilla, y como fanático de las listas que soy, aquí va mi particular TOP del 2009, que no aspira a ningún tipo de exhaustividad ni de objetividad sino que es, simplemente, una pirueta y un agradecimiento a otro nivel. ¡Y ahora, a por el 2010! Mejores peliculas estrenadas en el 2009 - Import/Export - Vals con Bashir - Un cuento de Navidad - Tetro - Tres dias con la familia - Anticristo - Gordos - Los limites del control - After - Un lugar donde quedarse Unos libros para no perderse: - "En los orígenes del cine" de Luis Martin Arias - "Stephen Frears: Un cineasta camaleónico" de Javier Hernández - "Dentro y fuera de Hollywood" (AA.VV.) - "Sobre la violencia: seis reflexiones marginales" de Slavoj Zizek - "Pensar la luz" de Sven Nykvist - "Disfraz y pasión creativa" de Laura Antón

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1 Una(s) lista(s) para despedir el 2009

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2012 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://comunidad.uem.es/blogfiles/arodriguez/avatar.jpg"> "Las pasiones que vienen de lo pulsional son más fuertes que unos intereses racionales" (Sigmund Freud, 1929, El malestar en la cultura) 1. El nivel de la fábula podría parecer sencillo: James Cameron quiere dar una lección moral, y para ello, construye un universo digital y lo satura de buenas intenciones, de mensaje medioambiental y un toque naïf con grandes dosis de relato clásico, forja del héroe y demás zarandajas. Pero las normas del análisis textual que practicamos -las mismas que orbitan, después de todo, en la consulta del psico/analista- dice que de nada debemos desconfiar tanto como de aquello que se subraya de manera manifiesta en su interior. Nada tan dudoso como aquello que el texto parece autoproclamar, en este caso, ese pastiche de tópicos políticamente correctos y tan del gusto de la doxa dominante. Faltan Obama, Michael Moore y Al Gore recogiendo sus respectivos Premios y los cuantiosos beneficios que arrastran. Pero en "Avatar", como en todos los textos, hay también un fantasma. Y ese fantasma que late con toda su brutalidad no es sino un desplazamiento 3D del impulso de muerte, de ese tánatos que fluye debajo del narcisismo implícito en todo ese buen-rollo general que acompaña a todas las mejores intenciones. Ese fantasma, por cierto, es la Cara B que acompaña a la tan mareada "crisis del sujeto", de tal manera que al final casi queda feo pensar que uno es blanco, heterosexual, occidental, burgués, y que pertenece a un sistema capitalista. Vaya por Dios, esto no debe gustarle demasiado a James Cameron, que apuesta por ese rollo new-age de hablar con las plantas y los animales, del instinto tribal, y sobre todo, de la Diosa. 2. Porque, a veces hay que decirlo también, el fantasma que late en el corazón de "Avatar" es una diosa, una madre-tierra en un extraño planeta llamado "Pandora". Y "Pandora" es, por cierto, el nombre en clave de esa primera mujer que abrió su particular ánfora poniendo de manifiesto todo el malestar del sujeto occidental. Así que desde aquí el significado del texto comienza a oscurecerse, como si esa Diosa primitiva que anida en ese paraíso virtual y que exige brutales rituales de iniciación de sus fieles seguidores tuviera una doble cara, un extraño magma que fluyera bajo sus promesas de paz y concordia. A lo que habría que preguntarse: ¿por qué los animales de Pandora -los perros, los pájaros, los caballos- tienen ese extraño diseño siniestro? ¿No resulta imposible pensar que lo que se ejerce sobre ellos es una mirada... psicótica? ¿No son esos los perros, los caballos, los pájaros que podría generar un peligroso delirio? 3. Ahora bien, tenemos que recordar cuál es la construcción base de la psicósis. Y esta es "Yo no soy yo. Yo soy Otro". Recuerden las dos psicósis fundamentales de la Historia del cine: Norman Bates/Madre, Tylor Durden/Narrador. El protagonista de "Avatar" es, por lo tanto, un psicótico. Él no es él, sino que su escisión es tanto genética (su hermano muerto) como imaginaria (su doble virtual). El problema es que el Otro está situado, precisamente, en ese territorio delirante donde reina la Diosa. Su delirio es el de "no-ser-humano", el de ser su propio Otro. Los humanos, según la psicótica mirada de Cameron, son egoístas, crueles, interesados, capitalistas, violentos... Sólo pueden ser dignos cuando empiezan a ser Otro, esto es, cuando intercambian su identidad real con su identidad virtual. La nostalgia de ese tiempo pasado tribal (y matriarcal) en el que se zambullen los personajes protagonistas es, por lo tanto, un anhelo autodestructivo. Tánatos, queda dicho. 4. Juguemos a otro juego. Imaginemos una cinta sobre un jugador de "World of Warcraft" que de pronto comienza a creer que es un Orco. Más allá de eso, al contemplar los verdes parajes del videojuego olvida precisamente su virtualidad, su falsedad, su dolorosa Otredad. Se saca una cybernovia y se casa on-line, sube de niveles y acaba siendo un gran Orco de nivel 80. Tras hacer doble click es rico, poderoso y, ante todo, es deseado. Alguien -otra virtualidad- le erige en Objeto de su deseo. Imaginemos que nuestro hombre, frustrado ante el malestar de su propia cultura, coge una escopeta y decide asesinar a todos aquellos que le demuestran lo que realmente es: un tipo delante de una pantalla de ordenador. Su misión podría ser honrosa, podría tener "grandes ideales" y enormes discursos. Pero a nadie se le escapa lo que late bajo su acto homicida: una psicósis pura y dura. 5. Cameron construye con toda precisión y mimo el reinado de la Diosa. Invierte interminables minutos del relato en que contemplemos todo ese espectacular diseño psicotrópico de elementos virtuales. Sería el momento de que alguien comenzara a pensar en qué momento se decidió que la psicósis tenía que ser el núcleo del espectáculo cinematográfico contemporáneo. Y por oposición, por qué precisamente uno de los mejores productos narrativos de la última década -ya sabe, esa serie en la que unos tipos se pierden en una Isla que bien podría ser el reinado delirante de otra Diosa- es, al contrario que en "Avatar", un intento desesperado e inmejorable del sujeto postmoderno por anclarse aquí y ahora, por regresar a toda costa a un Tercero que sustente el eje de una Ley, por no caer en la tentación de la autodestrucción. Pero de esto ya hablaremos en otro momento.

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1 "Avatar": apología del Apocalipsis

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